Konnichiwa, Tomo-Chan!

Seni Nanga adalah kunci untuk memahami bagaimana hubungan antara seni, tulisan, dan moralitas bisa bersatu dalam satu medium lukis. Meski kerap disalahartikan sebagai seni hanya untuk elite intelektual, gaya ini justru lahir dari keinginan seniman Jepang abad ke-18 untuk mengekspresikan perasaan melalui meditasi visual, puisi, dan estetika. 

NANGA-BUNJINGA: WARISAN SENI LUKIS LITERATI JEPANG DI ERA AI

Saat dunia terisolasi di bawah kebijakan sakoku, mereka menemukan inspirasi luar negeri lewat buku cetak dan guru-biksu yang datang dari Tiongkok, lalu mengubahnya menjadi bentuk seninya sendiri—personal namun bermakna.

Nanga juga menawarkan contoh cemerlang tentang bagaimana pendekatan seni bisa mewakili jiwa seseorang, bukan hanya keahlian teknis. Lewat goresan tinta, guratan kaligrafi, dan minimalitas warna, seniman Nanga mengekspresikan gagasan Confucian tentang moral, alam, dan kecerdasan batin. 

Di bawah skema ini, melukis bukan hanya tentang menciptakan gambar, tetapi juga tentang menyusun puisi visual yang berbicara tentang kesunyian, refleksi, dan penghayatan spiritual.

Sejarah Nanga dan Asal Usulnya

Aliran Nanga, atau literati painting Jepang—juga dikenal sebagai Bunjinga—mulai berkembang pada akhir abad ke-17 hingga ke-18 (periode Edo) sebagai bentuk adopsi gaya lukisan Selatan Tiongkok, yang disebut nanzonghua dalam bahasa Tionghoa. Seni ini awalnya diperkenalkan lewat buku cetak dan manual lukis yang masuk lewat pelabuhan Nagasaki, serta belajar dari guru-biksu Tionghoa seperti dari sekte Huangbo.

Berbeda dengan aliran resmi seperti Kano maupun Tosa, Nanga diciptakan oleh kelompok seniman yang dipandang sebagai “budayawan” : mereka juga penyair, peminum teh, dan ahli kaligrafi. Meski tak menganggap diri sebagai seniman profesional, mereka terlatih dalam gaya dan teknik Tionghoa namun tetap menambah sentuhan Jepang dalam karya mereka.

Di Jepang, Nanga menjadi pilihan artistik rejim intelektual yang mencari kebebasan ekspresi. Karena tidak terkait langsung dengan patron istana atau kepentingan politik, gaya ini mengutamakan sudut pandang personal dan spiritual. Seniman seperti Ike no Taiga dan Yosa Buson lahir dari semangat ini, menciptakan karya yang memadukan puisi, kaligrafi, dan lukisan dalam satu komposisi yang harmonis.

Karakteristik Visual dan Filosofis Nanga

Nanga dikenal karena gaya yang tampak sederhana namun sangat mendalam secara filosofis. Umumnya menggunakan tinta hitam, kadang disertai sedikit warna, serta garis yang mengalir seperti kaligrafi. Mereka sering menggambar lanskap, bambu, bunga, burung, dan elemen alam lain sebagai simbol makna filosofis, bukan sekadar reproduksi visual.

Keunikannya adalah penggunaan puisi dan kaligrafi dalam satu lukisan—inskripsi atau kolofon sering ditambahkan oleh teman atau oleh senimannya sendiri sebagai penyempurna seni visual dan merasa sebagai narasi jiwa.Temanya sering berakar pada idaman kehidupan ideal Confucian: kesederhanaan, kesunyian, kebijaksanaan alam, dan hubungan manusia dengan kosmos.

Nanga bukan gaya yang seragam—setiap pelukis tetap memiliki identitas. Kuwayama Gyokushū, seorang teoretikus penting Nanga, bahkan menekankan kebebasan individual dan adaptasi pribadi dari model Tionghoa. Artinya, Nanga adalah seni intelektual yang bebas dari dogma teknis, dan menonjolkan ekspresi personal dalam bentuk yang sederhana tapi bermakna.

Antara Korea, Tiongkok, dan Identitas Jepang

Sebagian besar literatur menekankan bahwa Nanga adalah respon terhadap pengaruh Tiongkok. Namun, sejarawan seperti Burglind Jungmann dalam bukunya Painters as Envoys menyoroti bahwa pengaruh Korea terhadap pelukis Jepang juga sangat signifikan, terutama melalui interaksi diplomatik dan artistik antar negara. Korea menjadi perantara penting budaya literati antara Tiongkok dan Jepang.

Banyak pelukis Korea datang ke Jepang sebagai utusan, membawa karya-karya seni dan naskah klasik yang kemudian diserap oleh pelukis Jepang. Ini menjelaskan mengapa beberapa elemen dalam Nanga memiliki gaya yang lebih dinamis dibanding versi Tiongkok. Interaksi ini juga mengajarkan bahwa budaya visual adalah hasil dari lintas batas, bukan proses satu arah.

Namun pada akhirnya, para pelukis Nanga mengolah semua pengaruh itu untuk menciptakan identitas mereka sendiri. Inilah yang membuat Nanga menjadi Jepang sepenuhnya. Ia bukan hanya jiplakan atau adopsi, melainkan asimilasi yang cerdas dan puitis.

Tokoh dan Praktisi Nanga Terkenal

Beberapa pelukis utama dalam gaya Nanga adalah Ike no Taiga (1723–1776) dan Yosa Buson (1716–1783). Taiga dikenal karena lukisan lanskap ringan dengan aksen China, goresannya dinamis dan penuh ekspresi; Buson selain pelukis juga penyair haiku ternama.

Nama-nama lain penting termasuk Sakaki Hyakusen (1697–1752) yang merupakan salah satu pionir Nanga, memadukan gaya Kanō dan Tionghoa, menciptakan pola lanskap yang halus dan simbolis; dan Tani Bunchō (1763–1841), seorang samurai berkasta yang mengekspansi gaya literati dengan elemen barat dan Tionghoa secara bersamaan. 

Generasi terakhir yang mewakili Nanga adalah Tomioka Tessai (1837–1924) yang dianggap sebagai seniman terakhir aliran ini, menggabungkan kaligrafi, puisi, dan lukisan dalam karya penuh simbol spiritual dan kecintaan pada estetika klasik literati.

Berbeda dari seniman literati Tiongkok yang berasal dari birokrat dan kaum elit, seniman Nanga Jepang justru datang dari kalangan biasa. Ini memberi warna egaliter dan semangat belajar mandiri dalam gerakan ini.

Banyak dari mereka harus menjual karya untuk bertahan hidup, menjadikan seni bukan sekadar hobi intelektual, tapi juga alat eksistensi. Hal ini memberi nuansa tersendiri pada karya-karya mereka—lebih personal, lebih jujur, dan kadang terasa getir. Dalam masa Edo yang stabil namun membatasi ekspresi politik, seni menjadi bentuk pelarian dan ruang refleksi.

Relasi antara seniman, masyarakat, dan kekuasaan di masa Edo menciptakan medan artistik yang unik. Nanga menjadi oase yang menyatukan kebutuhan ekonomis, pencarian intelektual, dan kerinduan akan dunia yang lebih luas.

Perkembangan dan Relevansi Nanga Masa Kini

Nanga sempat dikritik oleh Ernest Fenollosa dan Okakura Kakuzō sebagai kurang orisinal atau terlalu dipengaruhi oleh seni Tionghoa klasik. Namun, dalam beberapa dekade terakhir, dunia akademis Barat mulai mengapresiasi nilai filosofis dan estetika aliran ini. 

Pada era modern, Nanga mendapatkan tempat dalam museum seni Asia seperti Asian Art Museum San Francisco dan koleksi Museum Seni Victoria di Kanada lewat pameran Nanga: Literati Painting of Old, Ini menandakan minat global terhadap seni intelektual yang menyeimbangkan formalisme visual dan ekspresi spiritual.

Lebih jauh lagi, estetika Nanga juga memengaruhi media kreatif kontemporer seperti desain bonsai literati (bunjinbana) dan gaya estetika minimalis Zen. Prinsip estetika Nanga—simplicity, spontaneity, dan literasi visual—dapat diadaptasi dalam jurnal visual, ilustrasi kontemporer, hingga seni digital reflektif.

Mengapa Nanga Penting untuk Dipelajari Sekarang

Bagi pelajar seni, Nanga menawarkan wawasan bahwa seni tidak selalu harus spektakuler. Goresan sederhana pun bisa menjadi sarat makna bila dibarengi ketulusan dan pemikiran. Sementara bagi seniman, Nanga memberi inspirasi bahwa identitas artistik bisa dibentuk dari keterbatasan.

• Pertama, Nanga mengajarkan bahwa seni sejati lahir tidak hanya dari teknik, tetapi dari konteks budaya, moral, dan intelektual. Bagi seniman modern, ini membuka ruang agar karya tidak hanya indah, tetapi bermakna dalam bentuk puisi visual atau refleksi batin.
• Kedua, Nanga memadukan tiga disiplin—lukisan, sastra, dan kaligrafi—yang sering terasa terpisah hari ini. Mengetahui gaya ini membantu seniman maupun pelajar seni memahami pentingnya integrasi medium dalam ekspresi kreatif.
• Ketiga, meskipun lahir dari zaman kuno, Nanga menawarkan inspirasi untuk praktik artistik kontemporer yang ingin kembali pada kesederhanaan, ekspresi personal, dan kedekatan dengan seni sebagai sarana muhasabah. Seni ini relevan bagi siapapun yang ingin menggali hubungan antara visual dan puisi batin.

Lebih dari itu, Nanga adalah pelajaran tentang keberanian menafsirkan, bukan sekadar meniru. Ia mengajarkan bahwa menjadi "belum sempurna" bukanlah kelemahan, tapi bagian dari perjalanan kreatif.